Лабиринты «новой реальности» или лабиринты наива
Октябрь 2020. Мы ходим в масках и перчатках. У нас закрыты лица и не видно наших улыбок. Это не карнавал! Это «новая реальность», в которую нас погрузили! Кто и зачем? Это большой вопрос. Со временем будут известны ответы на эти вопросы, как и на вопросы, сформулированные еще в XIX веке Иммануилом Кантом: «Кто мы, откуда мы и куда идем?». И куда же мы придем в этой новой реальности, что с нами будет?! Именно в этом причина создания моего нового проекта «Лабиринты наива».
В период общего тотального страха опасности заражения коронавирусом, необходимо, на мой взгляд, дать людям ощущение счастья, вернуть их в тот потерянный «рай» безмятежности, любви и прекрасного. Именно такую эмоцию дает зрителю наивное искусство. Это искусство чистого сердца не признающее никаких канонов, ракурсов, академических композиций и строгой организации цветовых тональностей. Этот стиль спонтанен априори, художник верит посылу, рожденному в сердце, от увиденного, прочитанного или близкого его размышлениям. Часто в работах используется открытый (несложный ) цвет без лиссировок, в композиции много объектов на небольшом формате холста. Смелый, яркий ход создания художественного образа, который впечатляет свободой самовыражения.
Известно, что всё «возвращается на круги своя…», так получилось и у меня. В начале 90-х годов я только приступила к искусствоведческой кураторской деятельности, сделав первую выставку в известном в те времена выставочном пространстве на Новокузнецкой, которое называлось культурным центром «Дом». Я экспонировала картины детского писателя Нинель Максименко[1], которая неожиданно для самой себя стала писать картины, ей было далеко за шестьдесят. Прошло больше двадцати лет, мне захотелось вернуть эти радостные, яркие, непосредственные ощущения от живописи, выполненной в наивном стиле.
Наивное искусство иногда называют примитивизмом. Название отсылает к искусству аборигенов Африки, Австралии, Полинезии, Индии, Южного Непала (знаменитые майтили, рисунки юных девушек, повествующих о жизни и народной культуре крестьян), в российской традиции – к филимоновской и дымковской игрушке, городецкой росписи и т.д. Примитивизм настолько привлекателен непосредственностью образа, что многие художники с академическим художественным образованием начинают следовать его стратегии. Формы этого стиля весьма разнообразны, а созданный художественный образ различный, неповторимый и, порой, неожиданный.
В истории мирового искусства остались на веки имена «таможенника» Анри Руссо, Нико Пиросмани, Бабушки Мозес (Anna Mary Moses), Диего Рибера, Фрида Кало, плеяды загребских художников примитивистов. Наиболее известные российские представители этого стиля: Катя Медведева, Люся Воронова, Алевтина Пыжова, Мария Примаченко, Владимир Любаров, Павел Леонов, Валентина Кузнецова и многие другие.
В названии выставки «Лабиринты наива» (Центр дизайна ARTPLAY 18/10-18/11/2020, куратор-искусствовед Галина Мажейкина) – суть проекта, стратегия отбора картин, а также цель – показать зрителю множество приемов, которые используют художники, ракрывая образы своих героев, окружающей природы, одушевляя растительный и животный мир яркими красками, сказочными персонажами, необычностью и оригинальностью художественного образа.
Стоит различать наивное искусство и народное. Народное изначально строго канонично, символично, знаково. Каждый символ на рушнике или в резьбе наличников не случаен, несёт архаические и сакральные (магические) контексты, что связано с заклинаниями и оберегами. То же характерно для свадебного, похоронного платья, пелёнок младенца при крещении.
Я даю этот малый экскурс специально, чтобы заинтересовать читателя/зрителя, привлечь к дискуссии.
Многие, из представленных в проекте авторов, искали свой путь в искусстве, и пришли к наиву сознательно, пройдя все этапы становления себя как художника. К таковым относится художник Алевтина Дмитриевна Пыжова. Она родилась в 1936 году в Москве в семье военнослужащих. Несмотря на неудачную попытку поступить в Художественное училище имени 1905 года и слепоту левого глаза, занималась творчеством всю жизнь: расписывала подносы, шила лоскутные одеяла, вырезала статуэтки. Занялась живописью в 1991 году. Особенность её творчества – увлеченность любовной и эротической темой, что связано во многом с реальной ситуацией из ее биографии, здесь истоки сюжетов ее картин. Многие её работы можно отнести к мифологии, почерпнутой из глав Ветхого Завета. Такова, например, тема Рая, где она свободно иллюстрирует (визуализирует живописно) некоторые библейские сюжеты. Она любит изображать диковинных животных в пышных лесах, напоминающих красочные джунгли «таможенника» Анри Руссо, только цветочков у нее поболее! Отличительные особенности её стиля: яркие, локальные цвета в сочетании с декоративностью и фантасмагорией образов. В её сказочных лесах тесно сплелись персонажи из мифов Древней Греции, Древней Руси, Египта, Латинской Америки и многих других стран. Мир, в котором соседствуют птицы Фениксы, Боги Египта, Баба Яга и кентавры, Пегас и Змей Горыныч. Воистину – «потерянный Рай».
Получила известность благодаря телевизионному конкурсу художников-самоучек, организованному искусствоведом Ксенией Богемской, стала постоянно выставляться с 1999 года. Картины Алевтины Пыжовой представлены в экспозиции Музея русского лубка, Музея советского наива, в коллекции К. Богемской и А.Турчина, коллекция была отмечена голландскими исследователями в 2012 году, как входящая в топ шестидесяти европейских коллекций в области маргинального искусства.
Другой автор, который принял участие в проекте — это известный мордовский художник Юрий Дырин, засл. художник Республики Мордовия, директор саранского художественного училища им. Ф.В. Сычкова, педагог.
Его стиль живописи этнофутуризм, но часто Юрий соединяет характерные черты этнофутуризма и элементы наивного искусства, как стиля. Примитивистом его можно назвать лишь с натяжкой. В его работах есть элементы звериного стиля, популярного в Удмуртии, Мордовии, Алании (Северной Осетии). Воспитанный бабушкой сказительницей в мордовской деревушке и выросший на эрзянских сказаниях, байках, легендах, художник умеет создать свою мифологию образа народной сказки, наполнить смыслами каждый декоративный элемент в картине. Фантазийность его персонажей, символы и знаки, загадки, которые так любит отгадывать зритель, рассматривая его произведения, не оставляют публику равнодушной. Его народно-этнический Рай наивен, мифологичен, фантасмагоричен, чувственен и завораживает образами, композициями, цветовыми интонациями. Юрий признается, что для него откровением было познакомиться с творчеством художника Марии Примаченко, чьи полотна подвигли его во многом на создание произведений в этом стиле.
Александр Трифонов — маститый мастер, окончил Московский полиграфический институт, работал в учебном театре ГИТИС, в театре Российской Армии, художник-оформитель МХТ им. А.П.Чехова, член Творческого Союза художников России. Его произведения находятся в коллекциях российских и зарубежных галерей и музеев, в частных коллекциях известных деятелей науки и культуры по всему миру.
Художник в своем творчестве использует элементы наива, считая, что этот стиль позволяет обобщать, фантазировать, быть увлеченным формой, предоставляет автору свободу выбора композиционных решений, фигуративных элементов или полностью от них отказаться. Главное для него – чистота образа и непосредственность, в его картинах нет суетности, в них все добротно и красиво скроено – от воздуха, которого много на полотне холста, до скупых порой минималистических цветовых интонаций в пейзажах, куда очень осторожно введены фигурки людей и животных, чтобы сохранить пространство. Александр Трифонов считает, что «настоящий художник не подпадает под схемы и не может быть строго структурирован», добавлю от себя, что чувство юмора явлено во многих его картинах. 
Сам автор идентифицирует свое творчество как «рецептуализм – откровенное стилевое использование всех возможных языков и направлений того или иного вида искусства в одном произведении. Это новый уровень постмодернизма, при котором, впрочем, как и всегда, – главным является талант художника». Отсюда и узнаваемость образов, созданных Брейгелем, Поленовым, Саврасовым, Левитаном, Де Кирико и др. Стратегия постмодерна позволяет авторам цитировать образы прошлых эпох, ремейки, пастиш, интерпретация по-прежнему очень популярны в разных жанрах искусства от кино, театра, литературы, живопись не исключение. Но Александр уметь придать им новый смысл и иное художественное видение образа, очень лаконичного, структурированного, свежего и интересного.
Его произведения несколько выпадают из яркого цветного мира других авторов, представленных в проекте, но это принципиальный ход куратора проекта Галины Мажейкиной – сделать в экспозиции акценты на отдельных элементах наива в разных художественных школах.
Мария Анш — художник, фанатично влюблённый в живопись. Свой творческий путь начала с граффити в пятнадцать лет, присоединясь к молодежному движению Street art. 
В 90-е ХХ века были распространены шрифты, для художника началась история познания себя, начиная с нового имени (творческого псевдонима), которым она, как многие художники граффити идентифицировала свои работы, все больше внедряясь в творческую среду уличных художников. С 2009г. она начала работать в граффити шопе, деятельность в котором сказалась на дальнейшем развитии её творчества. В 2011 Мария поступила на факультет графического дизайна в Московскую гуманитарно-техническую академию. Там встретила замечательных педагогов: Ярошенко О.Э., Филееву Н.Д., Козловского В.Д.. Это были яркие и талантливые личности, которые вдохновляли студентов на поиск своего стиля, которые не заковывали в рамки, а открывали новые возможности для реализации идей.
Переезд летом 2016 г. в деревню Павловка (Брянская область) стал не просто временной сменой места жительства и не только путешествием к корням (там живет и поныне бабушка Марии Анш), а проектом нового качественного скачка в искусство. Изучение творческих биографий и методов живописи Моне, Дега, Пикассо, Дюшана позволили вначале найти, а потом и сформировать свой стиль и цветовые нюансы передачи образа.
Мария поставила задачу исписать десятиметровый холст, что и было сделано летом 2016 г., появились две масштабные картины – Павловка и Город нарциссов. Осенью, вернувшись в Москву, она начала глубокое изучение масляной живописи, чему способствовали встречи и дружба с художниками и реставраторами.
Одним из них стал архитектор и художник Юрий Андреади. Занятия с ним повлияли на выбор стиля Марии и далеко продвинули качество её живописных работ. Мария Анш постоянно экспериментирует с цветом и формой, изучает различную технику. Последние работы выполнены масляной пастелью по наждачной бумаге, так достигается нужная фактура, дающая насыщенность цвету и объем. Она стала писать портреты в стиле фовизм и наив, отсылая интерес зрителей к полотнам выдающихся мастеров стиля примитивизм — Анри Руссо, Нико Пиросмани, Марии Примаченко и др. Материалы, которые Мария использует в работе над картиной – масло, акрил, акварель, пастель. Основные сюжеты в творчестве – природа и человек. Для неё важно запечатлеть красоту русской природы, её загадочность, необычность и даже святость. Мария не навязывает своё видение человека, важна гуманистическая составляющая, каждый человек прекрасен, зритель сам решает, как он будет идентифицировать увиденное на полотне. В этом её, как художника, принцип свободы!
Практически всё творчество Маргариты Юрковой подчинено девизу: «Дострой себя сам и тысячи будут вокруг тебя». Из затейливых образов складываются сюжеты, уникальные в их замысловатости, фрагментарно перекликающиеся с шедеврами истории искусства, но проинтерпретированные современно, остро, не теряющие актуальность в наши дни. Мозаика аллюзий и ассоциаций – это плод не столько богатой фантазии художника, но, прежде всего, художественный опыт, знание истории мировой культуры. Герои и ангелы, женщины и дети, птицы и бабочки, рыбы и звери, любовь и красота, – всё это из истории мироздания. «Сейчас время удивлять и удивляться. Художник должен не сосредотачиваться на внешних эффектах, которые априори поверхностны, несерьёзны, сила в идее, в ней энергия произведения, парадоксальность смысловых контекстов в картине – вот, что важно», – говорит М. Юркова. Ее картины представлены в музеях, частных коллекциях в России и за рубежом.
В эпоху постмодерна (не путать со стилем постмодернизм) художники применяют в своём творчестве ссылки на шедевры мирового искусства. Используют цитаты и псевдо (квази) цитаты, это стратегия пастиша (pashtish, фр. вторичность). Но вторичность совсем не означает неумение художника придумать своё. Это, прежде всего, диалог с мастерами прошлого через визуализацию образа, но и взгляд из нашего далеко на их творчество, мотивы к образу. Некая реминисценция истории искусства, приём очень популярный в конце ХХ века и ныне используемый достаточно часто.
Автор текста и концепции куратор-искусствовед Галина Мажейкина
