ПЕРЕЗАГРУЗКА ИЛИ ВЕТЕР ПЕРЕМЕН… (16+)

Данный материал подпадает под возрастное ограничение 18+, не предназначен для лиц младше этого возраста.
27, Апр, 22

Два проекта, два мира, две концепции, два суперэго и,  что из этого получилось –  об этом статья,  родившаяся постфактум после открытия двух проектов в Гостинном Дворе (Москва).  Вначале я хотела написать рецензию на проект Art Russia 2022, так как  наблюдаю за динамикой развития ярмарки с момента её рождения. «Первый блин» как положено, был комом, что не было неожиданным, но промахи были учтены уже в следующем году:  подключен мощный PR, приглашены ведущие кураторы, искусствоведы, представители мирового артбизнеса, коллекционеры, зарубежные галереи, организованы  закрытые  event показы коллекций.  Это уже была победа, довольны все: художники, кураторы, галереи и сами организаторы.  Проект 2022 начал подготовку задолго до спецоперации РФ  на  Украине, остановить запущенный сценарий выставки было уже нельзя,  несмотря на уход из проекта западных галерей, художников, кураторов и спикеров. Казалось бы, провал, но, к счастью энергии организаторов и веры в то, что проект будет жить, хватило на то, чтобы Art Russia 2022 стартовал, причём стартовал честно, достойно, красиво, профессионально, дизайнерски стильно. 

АРТМОСКВА 2022 открылась спустя десять дней после Art Russia 2022.   Другие художники, другие концепции,  немного другие технологии,  другая «игра» и  методы работы. Мне это  напомнило  противостояние ярмарки АРТМАНЕЖ и концептуального проекта АРТМОСКВА в первое десятилетие 2000-х. В истории всё циклично,  и всё повторяется только с иными стратегиями, технологиями и новыми поколениями художников, галеристов, кураторов. Именно это и интересно,  так как показывает  историю развития артбизнеса в   России и соревновательный сегмент, который стимулирует творить всех участников, задействованых  в  обоих артпроектах.

Поскольку журнал, в котором я регулярно публикуюсь,  «женский», но не безразличный к политике, а она имеет отношение к различным сферам социальной коммуникации от политики,  как таковой,   до  сферы  культуры и искусства.   Я решила сосредоточиться не на всех экспозициях, а на тех, которые, соответствуют гендерной тематике и, конечно, зацепили экспозицией и визуальным эффектом. Принято считать,  что наиболее талантливы в сфере изобразительного искусства всегда были мужчины, хотя история искусства продемонстрировала и не раз выдающийся талант женщин художников: Н.Гончарова. З.Серебрякова, Тамара де Лемпицка, А.Эстер, В.Мухина, Фрида … продолжать можно бесконечно…

Возвращаюсь к проектам, упомянутым выше.

В моем высказывании буду исходить из следующих маркеров, на которых хотела бы сделать акцент. Художественный образ – какой он  в современных живописи, графике, скульптуре?  Какой формат выбирают сейчас художники, и какие смысловые контексты он несет? Эта мысль родилась не спонтанно, а в процессе изучения тенденций в современном искусстве второго десятилетия XXI века. Сегодня это, прежде всего,  синкретическое воплощение смыслов, дум, чувствований, впечатлений,  реализованных в визуальном искусстве, формы которого весьма разнообразны. Нельзя не учитывать тенденции к  процессу глобализации в культуре. Но Россия страна консервативная, у нас всё не так, как там,  на «диком Западе»,  у нас интрига более изобретательна  и изощрена. Потому умение  сохранить ясный взгляд на происходящее, прошмыгнуть  «между Сциллой и Харибдой»,  остаться в рамках традиции классической школы анализа, но с пониманием и учетом  новых технологий, парадоксальных решений, смелостью идей и, конечно, высочайшим профессионализмом в реализации образа на картине, в скульптуре, видео-арте. 

Мир  наполнен смыслами и чувствами, любой сюжет в  произведении искусства – это, прежде всего, внутреннее переживание автора работы. Художник,  соприкасаясь с классическими шедеврами из истории искусства, находится  в едином поле культуры человечества, в его гуманистической составляющей.  Гуманизм  в новом формате изображения, какие-то простые вещи,  мимо которых мы проходим,  не замечая их, именно эта идея и образы взяты в основу выбора художников на обоих проектах, которые произвели впечатление, иногда и резко  эмоционально отрицательное.  Человек  остается человеком, верным  прекрасным гуманистическим идеалам,  воплощенным в духе, в телесности, в  любви к ближнему,  в одиночестве, в среде обитания, в своей, пусть и простой, иногда  неквалифицированной  работе.  

И что же мы увидели на «сцене» искусства России в 2022?

Есть  высказывание «не мудрствуйте лукаво». Лицезрев «Большую мать» Олега Кулика, известного  провокационными работами в перформансе,   и  прочитав большой текст релиза об этой работе,  невольно хочется воскликнуть: «Истинно говорю вам, сё есть лукавство   и мудрствование от лукавого».  Слова  – это одно, а смыслы в этом «произведении» –   другие. Текст, приложенный к работе,  именно тот случай, когда словами Недоросля  Фонвизин  спрашивает: «Дверь – это  существительное или прилагательное? …Прилагательное!», –  отвечает наш герой, – т.к. прилагается к проёму». Именно так  я оцениваю текстуальное сопровождение скульптуры. Не может Олег Кулик отказаться  от постмодернистского сарказма и провокации,  ну, никак. Безусловно,  в этой работе есть  отсыл  к знаменитой Венере Виллендорфской; безусловно, имитация глины (ручная лепка), хоть и выполненная в  пластике,  отсылают нас к Творцу; безусловно,   из праха (земли, глины) родились и в прах (землю) обратимся. Безусловно,  «Родина-мать зовет» на Мамаевом кургане  в Волгограде  (Сталинграде), в этой работе  как символ присутствует! Но там – это Великая Русь с мечом, от которого погибнет любой  враг. Здесь всё суть женское гендерное сведено  воедино. Но при явных «прочитываемых» контекстах,  главный  из которых всё же – провокативный  сарказм, а с учётом  нынешних событий в мире, неприятия всего русского, истории страны, а также посыл к   эстетике   уродства,  эстетике разрушения гендерных различий, и всё это поклон Западу, его символам и  идеалам, с его знаками  ЛГБТ и пр. Можно по-разному относиться к скульптурам Олега Кулика на Арт Москве, считать оные новым веянием в современном искусстве, свободным от цензуры и пр. Но зная истоки философии деконструкции,  изучив  аналитические статьи  Гваттари &Делёза &Джеймисона, писавших много о шизоанализе  в парадигме  постмодерна,  я могу  высказать   свою точку зрения,  и это, лишь моя точка зрения! И,  наверное, я смогу держать удар от поклонников творчества Кулика, Осмоловского, Гельмана  и иже с ними других  «актуальных художников» и, повторю, это лишь моя   аллюзия  на эти «произведения», к которым больше применим термин – изделия.

Но не все так плохо, как кажется вначале моего высказывания. На АртМоскве я познакомилась с необыкновенным художником по костюмам, чьи работы: графику, печать на  велюре, платье «Серафим» представляла  одна из московских галерей.  Вадим Тишин  из Рязани поразил меня фанатичной увлеченностью проектом Сергея  Дягилева «Русские сезоны». Но увидел он    их  совершенно иначе, по-новому, с неожиданными решениями  по цвету, форме, пластике в графике и с использованием   уже современных технологий печати. Удивительным  мне показалось то, что  сегодняшних юных, а Вадим  очень молодой художник,  вдохновляет модерн, декаданс и всё, что было  связано с этими новыми для мира  начала ХХ века художественными решениями. Невольно вспоминаются  режиссёрские находки  Р. Хамдамова  («Мешок без дна»),  маэстро коллажа и костюма Сергей  Параджанов. Вадим словно из того мира, мира, в котором  создавали шедевры обожаемые  многими модернисты, художники  жили и творили  согласно  манифестам Маринетти, Малевича, Фонтана, Ги Дебора…  Я вижу в  картинах, графике Вадима Тишина отсыл к позднему Матиссу, Пикассо (его театральный период работы с Дягилевым), «Цветам зла» Бёрдслея,  влияние   линии и цвета Гончаровой и Ларионова, но решенные по-своему.  Талантливый художник со своим миром восприятия мира  вокруг, поэтичный  и тонкий,  чистый и искренний.    Он излучает энергию чистоты образа.  Я думаю, что это только начало. Вадим   будет очень скоро востребован театрами,  киностудиями, режиссёрами, как творец эстетики театра. Он и сам театрален,   у него уже есть имидж, есть наряды, которые сам придумывает, шьёт и одевает санкт-петербуржскую богему, к которой пока стесняется себя отнести.  Качество его работ невозможно не заметить, причём это касается всех направлений искусства, которые ему доступны: мода, ювелирные украшения, графика, инсталляции,  перформансы[1].

[1]https://rv—ryazan-ru.turbopages.org/turbo/rv-ryazan.ru/s/v-ryazani-otkrylas-vystavka-dizajnera-vadima-tishina/

Загадочный мир творений Андрея Осташова, полный эстетики прекрасного, пластики, линии, тональностей цвета в скульптуре. Восток  будоражит своей молчаливой загадочностью,  скрытым темпераментом, умиротворением в созерцании, дзен буддистским погружением в свою личную нирвану. Откуда у  художника из Белоруси такое тонкое восприятие Востока? Обычно Восток входит в художника  с молоком кобылицы, пасущейся  в степи, запахами трав, ветром в гриве коня, на котором скачет всадник или всадница. Такие вопросы возникли у меня при просмотре скульптуры и графики   на стенде минской галереи АртПорт.  Удивительно тонкий мир скульптора, безукоризненно  точна  линия  его моделей, часто продленная  в силуэте причёски или головного убора, это продолжение линии, задает  динамичность (движение), строит форму в  объёме. Андрей Осташов  не подражает трендовым сейчас бурятским скульпторам, он – другой!  Для него Восток – это не знание Востока, а его узнавание  и изучение в процессе работы над образом.  И это узнавание себя  другого в  соприкосновении  с  волнующий его  темой, это рост своего самосознания и  некое самосовершенствование, так как без этого не познать и не создать красоты. А красота у него рождается через  погружение в некое  медитативное  поле,  энергетический портал,  тогда и возникает образ.  В его произведениях  очень интересно рассматривать детали, возникает масса вопросов.  Почему в его женской теме  в скульптуре  так много мишек Тедди, не потому ли что его дочки так любили мишек,  или мишки придают образу маленьких девочек  детскость, наивность, непосредственность?  Ведь их нет в графике, в ней философия женского мира, который интригует автора. Возможно,  это связано  с  взрослением  дочерей,  их игру в превращения, соблазн, здесь символы и знаки накладываются один на другой,  характеры и темпераметры  являют себя  по-разному. Одна искушаема, другая искушенная, одна ждёт перемен, другая эти перемены уже познала.  Гадать можно исключительно долго, да и автору скульптур, думаю, интересно послушать наши с вами интерпретации. Я не буду касаться в этом эссе конкретного цикла скульптур или литографий Андрея,  я как эссеист  создаю образ художника, а потом зритель сам сделает вывод. 

«Есть выражение: “Ты не писатель, если можешь не писать!”, – оно к любому творчеству применимо» – этой цитатой художник Ольга  Мыльцева.  начинает текст кталога о своем творчестве. У Ольги нет профильного образования, работать с материалом, с объёмом, созданием формы она училась сама, сложные технологические процессы обжига крупной керамической скульптуры тоже осваивала сама.  Меня поразили образы Ольги, они нарративно читаемы зрителем, но даже не это главное, главное здесь сам автор, с удивительным миром, загадочным, умным, интеллектуальным, детским и взрослым, одновременно.  «Формы её скульптуры вырастают изнутри, вырастают органически, как дитя, вырастают из архетипов и из того, к чему они побуждают нас. Вырастают в окружающий мир, незримо, но ощутимо разворачиваясь даже за пределы физической оболочки, настолько сильна энергия, создавшая эти формы и продолжающая жить в них. Поэтому скульптуры Ольги, вне зависимости от темы, так легко притягивают внимание. Рассказывают вашу историю, даже если объект изображения не человек, украшают вашу жизнь. Это алхимия. Волшебство»[1].

На выставке АRT Russia 2022  экспонируются несколько циклов ее произведений:  «в композиции “Времена” скульптуры представляют времена года и возраст, являясь символами смены циклов в природе, и поколений в человеческой жизни. Они основательны и архаичны, словно столпы русской культуры. Да, это может показаться неожиданным, но если вдуматься, в патриархальном обществе именно женщины, обладая меньшей социальной мобильностью, являются хранительницами традиций. Они стоят прямо и твердо, словно колонны, поддерживающие мировой порядок, он же космос… Природа и география оказывают большое влияние на менталитет, а возраст на принятие и осознание культурного кода. Как и когда происходит культурная идентификация, что влияет на передачу этого кода? Можем ли мы двигаться вперед, не разрушая традиционные ценности или это неизбежный процесс? Надо ли им управлять или положиться на эволюционное развитие? Серия керамических скульптур «Времена» призывает ставить вопросы о нашем наследии, значении культуры  и важности русской традиции в нашей жизни, и по-своему отвечает на них»[2].

«Завтрак короля и королевы» – полный юмора цикл, отсылает к мультипликационным героям; цвета глазури – белый и золотой,  образы  короля и королевы  – детки с болезнью дауна (солнечные дети), еще более повествует нам о чистоте, духовности, искренности и любви. 

«Когда мы кричим в небо, оно отражается в наших лицах!» – в этом названии глубочайший филосовский и гуманистический смысл. Невозможно вырваться из неизбежного круга времени и молчит небо… Не хочется ничего говорить, так как увидев этот цикл Ольги Мыльцевой,  наступает катарсис, все переживания внутри, каждый зритель найдет свое. «Создавая нового персонажа, я представляю его как личность, как человека со своими поступками, бытом, окружением», – говорит Ольга. Я же скажу, что лучше художника, умеющего не только создавать произведения  искусства, но и облачить в слово мысли,  рожденные в процессе создания работ, никто не сможет.

[1] Текст из каталога художника Ольги Мыльцевой

[2] Там же

«Искушаемая искусством» – так мне хочется идентифицировать  художника  Марию Анш, впервые принимающую участие в проекте ART Russia 2022. Как становятся художником? По-разному! У кого-то это наследственное, у других художественная школа и раннее профориентирование, у  Марии Анш  личная история погружения в искусство началась с протеста, отторжения  канонов,    поиска самости: «Я — есть!»,   зашкаливающей по темпераменту  энергией юности  и желанием самореализации.  Именно поэтому первой творческой практикой стало уличное  искусство граффити. Здесь свобода и протест стали основными критериями погружения в данное направление.  В граффити  она  заявила о себе, как о художнике, экспериментируя с калиграфией и шрифтами, цветом и формой, рисуя придуманное  новое имя АНШ, которое индентифицирует её в аудитории уличных художников, создавая прецедент соперничества и рекламы.

Сдержанность в цвете это не про  Марию Анш, у неё твёрдая рука в линии, даже наброске,  смелая работа с пятнами в портрете,   образы яркие, сочные,  сюреалистические, «дикие», но передающие эмоцию и страстность. Она напоминает мне чем-то Фриду, не экзальтированность, как у  мексиканской художницы, но скрытый темперамент выражается у Анш в живописи. Её рука скорее жёсткая, как у наших художниц русского авангарда Н.Гончаровой и А.Эстер. С первого взгляда можно  сравнивать её творчество с фовистами, но я не стану этого делать, так как вижу формирующийся собственный живописный язык, почерк.

Для выразительности портретных образов  ею выбирается  техника – масляная пастель на абразивной бумаге. Именно грубая фактура  бумаги позволяет  при работе масляной пастелью  показать   отчетливость  линий и перепадов цветовых тональностей, сделать  свободный   переход от фигуратива к пейзажу. Мария «вытачивает»  образ,  делая его брутальным, интуитивно подбирая  цвета в соответствии с характером выбранной модели, образом жизни персонажа. Серия из многочисленных ярких портретов мотивирована героями  прочитанных  книг, фильмографией, случайными подсмотренными  лицами  на улицах, в транспорте.  Гротесковый психологизм  выражен в этих портретах особенно ярко. Создание образа  превращается отчасти в научный  искусствоведческий  эксперимент, позволяя находить необходимую комбинацию приёмов, синтезируя цвет, мимику, характер, эмоцию в единое целое. 

Её узнают, ею восхищаются не только друзья, её произведедния отметили  в издании ELLE DECOR после выставки-ярмарки на ВИНЗАВОДЕ в декабре 2021.

Еще один участник выставки ART Russia 2022    ИРИНА ИВА (стенд Lady Art Gallery), казалось бы,  обычный индустриальный  сюжет: цех, завод, рабочие, инженеры,  проектировщики    —  наполнен  символическим контекстом. И почему бы не представить  изображение сварщиков в образах триединства ликов Бога Отца, Бога Сына   и Духа Святого. Кощунственно или нет — вот в чём вопрос?     Современные стратегии  парадигмы постмодерна вполне позволяют подобные интерпретации и смысловые наполнения художественных образов. Да, и вспоминаем  главы Нового Завета, где будущие  Апостолы  и сам Спаситель были из сословия простых рыбаков и   плотников. Прочтение  или интерпретация художественного произведения в этой связи  возможна на разных уровнях. И символизм христианства и огня, как стихии  и одновременно  символа божественной энергии.  Стихия огня  во многих религиях   одна из самых разрушительных,  но и созидающая  одновременно, уничтожающая всё плохое и ненужное в природе. Небесные светила,  солнце, дающее  жизнь, домашний очаг с теплом и пищей  —  всё это  про стихию огня, где-то подвластную человеку, а где-то совсем нет…

Похожий символизм в работе «Время красного». С одной стороны в ней притягательный образ «женщины в красном» и маркеры красоты, навязанные массмедиа, цвет – символ амбициозности, импульсивности, женской сексуальности. Этот персонаж реальный и иреальный символический  одновременно. А была ли Ева – первая женщина похожей на «женщину в красном»?  И может быть  мужчина в белом  халате ни кто иной, как современный Адам?  Время парадоксов и интерпретаций позволяет размышлять о  многом, так как современные вызовы требуют не менее адекватных ответов и решений.

Можно много писать еще об этих двух проектах, но, думаю, зритель  в дальнейшем сам захочет познакомиться, как с выставками, которые ежегодно проходят в Москве, так и с авторами, которых всегда можно отыскать в  интернете или на моей страничке в сетях.  #artrussia2022 #артмосква2022 #искусствороссии #современноеискусство #art #contemporaryart

Автор текста искусствовед, культуролог, куратор арт-проектов

 Галина Мажейкина

Фотограф — Дмитрий Коробейников, остальные присланы авторами работ.

           


Create Account



Log In Your Account